Die Neue Kunst

Printed by: Chwala's Druck, Zieglerg. 61 [?], 1070 Wien, nr. of pages: [PDF page number: 10].
Holding Institutions: Universitätsbibliothek Wien, online: Österreichische Galerie Belvedere, Research Center

Adolphe Basler: [no title], 4 p.

“Die jungen französischen, Österreichischen und deutschen Maler, die ihre Werke zum erstenmal in Wien ausstellen, sind mehr oder weniger durch dieselben Anschauungen verbunden, sei es die der Impressionisten oder jene, die von Cézanne herkommt. Sie sind durchaus keine Anarchisten in der Kunst. Vielmehr kommt die Tradition bei ihnen reiner zum Ausdruck als in dem degenerierten Klassizismus der Akademien. Sie streben nach einem Stil, der die Gesetze der Natur und die Elemente des Daseins zu einem tiefen und wahrhaften Ausdruck bringt und stehen in vertrautester Verbindung mit dem Geist ihrer Zeit. In ihrer Malerei triumphieren die neuen und reinen Expressionen der Raumformen über das Anekdotische und Genrehafte der akademischen Kunst.
Die Impressionisten formten die Gegenstände im Raume in vollem Licht: sie malten diesen Raum selbst, die ihn gestaltenden atmosphärischen Einflüsse, malten die Luft, welche alle Dinge umfließt. Die Theorie von Chevreuil über die komplementären Farben bestätigte vollauf ihre Bestrebungen, die Vibrationen des Lichtes auf der Leinwand festzuhalten. Der Mangel dieser Kunst des zu höchster Stärke und Feinheit wunderbar gesteigerten Lichtes war jedoch, daß er die Einbildungskraft in der Malerei unterdrückte, und es war erst das Verdienst Cézannes, daß er, indem er die künstlerische Konzeption über den Natureindruck stellte, jeden gemalten Gegenstand zu einem höheren Typus erhob. Er identifizierte die Kunst nicht mit der Natur, sondern betrachtete sie als Äquivalent der Natur. Er hat die Malerei von der Aufnahme aller Zufälligkeiten befreit und den Begriff der Komposition wieder rehabilitiert. Denn jedes Bild muß wahrhaftig sein, nicht durch die Nachahmung der Natur, sondern durch das sensible Zusammenstellen der lokalen Töne, der Lichtkontraste, und der Übergänge von Form zu Form, von Masse zu Masse, nach den Gesetzen eines von der Erfindung des Künstlers bestimmten Rhythmus.
Vor fast einem halben Jahrhundert wurden die Meister der Barbizonschule den Impressionisten als Klassiker gegenübergestellt. Jetzt spielt man Monet als Meister gegen Matisse aus. Die Auffassung des Bildes bei Matisse ist ebenso verallgemeinert wie etwa die Auffassung des künstlerischen Themas auf einem egyptischen Sarkophag. Eine Verallgemeinerung finden wir auch bei den Impressionisten, aber sie ist äußerlicher, die Konstruktion viel materieller. Matisse strebt zu einer ungleich abstrakteren Synthese der Natur. "Es ist unmöglich'', äußerte er sich einmal, "die Natur sklavisch zu kopieren, ich muß sie dem Sinn des Bildes unterordnen. Das von mir geschaffene Verhältnis zwischen einzelnen Details muß neben einem lebhaften Farbenakkord nicht eine der Natur nachgemachte, sondern analoge Harmonie hervorrufen, wie es in der musikalischen Komposition der Fall ist. Für mich liegt alles in der Konzeption: man muß also von Anfang an die genaue Vision des Ganzen haben.''
Und wie Matisse, so schaffen in Frankreich Picasso, Derain, Braque, Friesz, in Deutschland der Münchner Kreis um Kandinsky und Erbslöh, ferner Pechstein und die Mitglieder der Berliner Neuen Sezession, der Wiener Kokoschka, der Tscheche Filla, der Pole Pankiewicz, eine durchaus symbolistische oder eigentlich expressionistische Kunst. ,”Douer d' authenticité la nature" mit diesen Worten von Mallarmé kann man ihre Bestrebungen am besten charakterisieren. Der Bau ihrer Bilder ist durchaus subjektiv. Das sind nicht mehr nur mit impressionistischer Empfindsamkeit malerisch geschilderte Gegenstände. Jede farbige Fläche ist hier ein Symbol, eine Funktion, die das Bild zur Abstraktion emporhebt, es zu einem einzigen architektonischen Rhythmus zusammenfassend ordnet.
Bei den jungen Franzosen bewegt sich die Komposition des Bildes zwischen Matisse, Picasso und Derain. Bei Matisse ist der Klang des Kolorits am lautesten gestimmt: es ist die Intensität der chromatischen Harmonie der Impressionisten, jedoch in der ununterbrochenen Continuität des Lichtes entwickelt. Das Charakteristische des Kolorits bei Derain dagegen ist die Vergeistigung in der Verwendung grauer und weißer Akkorde. Voller Enthaltsamkeit in der Steigerung des Lichtes akzentuiert er die Continuität der Volumina, die von Cézanne herkommt und die bei den Kubisten in der Auflösung in geometrische Formen ihren Ausdruck findet. Es ist der Geist der alten gothischen Kultur, der aus der strengen Logik spricht, mit welcher Derain komponiert, die Akkorde der vereinfachten Farbenharmonien abtönt und das Gleichgewicht der Massen herstellt. Am Weitesten in dem Streben zur reinen Abstraktion geht Picasso. Wenn wir das Algebraische, aber dennoch empfindsame Lineament seiner Bilder anschauen, wenn wir sehen, wie zart die Farbe sich mit der Linie verbindet, wenn wir den geometrischen Rhythmus bewundern, der seine Bilder gliedert, so gelangen wir zur Überzeugung, daß dieser Visionär, dessen Zeichnungen aus seiner früheren Zeit in den Museen würdig neben Arbeiten der alten Meister hängen können, vielleicht einem anderen Kunstgebiet als dem der reinen Malerei angehört. Sollte dieser Spanier, der heute die ernstesten Kunstkenner beunruhigt, durch natürlichen Atavismus seine Auffassung der Kunst von den altmaurischen Architekten und Keramikern ableiten, die in diesem Lande so manche Tradition ihrer höchst gesteigerten Neigung zu reinsten Abstraktionen hinterlassen haben?
Die Raumvorstellungen der europäischen Expressionisten sind ebenso Konzeptions-, wie Visionsausdrücke. Die subjektive Ausdrucksweise der sinnlich wahrgenommenen Formen schließt bei Van Dongen oder Tappert das objektive Charakterisieren keinesfalls aus. Manche, wie Melzer, verarbeiten die subjektive Auffassung des Bildes zu einer Arabeskenkomposition oder zur originellsten Organisation der Fläche wie etwa Friesz, Vlaminck, Kars, Richter, Cesar Klein und der klassizistisch komponierende von Knapitsch. Der Portugiese de Souza Cardoso bietet eine exotische, im Ausdruck koloristisch intensive, dekorative Interpretation des Motivs; in kondensierten Formen generalisierte malerische Schilderungen geben Bato und Rappaport. Schließlich äußert sich bei den Franzosen Burty, Marchand, Lhote, Leger, sowie bei dem Russen Kisling, eine vollständig plastische Vision, die im Kubismus ihren Ausgang findet. Orthodoxe Symbolisten sind Kandinsky und Morgner. Ihre Kunst ist weltentrückt. Das Symbolische der Erscheinungen bringen sie in abstrakten Formen und Farbensymphonien.
Die neuen Strömungen in der Skulptur sind durch die beiden neben Maillol interessantesten Plastiker der jungen Generation vertreten, durch Despiau und Nadelmann. Beide reagieren gegen den Naturalismus, der in der Plastik nur eine Entartung war. Despiau nähert sich den Florentinern des Quattrocento, Nadelmann hellenisiert - aber nur scheinbar. Denn weder der eine noch der andere archaisiert. Sie sind zur Kunst mit keiner fertigen Formel, mit keinem Stilbegriff a priori gekommen. Die tiefsten Studien gehen ihren Werken voraus, die vom Episodischen befreit, sich nicht nur durch die Schönheit der Verhältnisse, sondern insbesondere auch durch die "sensibilité aigue" auszeichnen.
Paris. ADOLPHE BASLER.”

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Catalogue date information: "Jänner-Februar". Additional date information taken from: ''Neue Freie Presse'', 8. Jan. 1913, p. 12.