Privatsammlung Dr. Oskar Reichel. Wien

Printed by: Chwala's Druck, Wien VII, Zieglergasse 61, nr. of pages: [PDF page number: 14].
Holding Institution: online: Österreichische Galerie Belvedere, Research Center

Dr. Oskar Reichel: Über meine Bilder, 5 p.

"ÜBER MEINE BILDER.
Von Dr. Oskar Reichel.

MOTTO: L'art de peindre est l'art d'exprimer l'invisible par le visible. (Eugène Fromentin.)

Das was ich heute zeige, ist keine Sammlung - es ist vielmehr ein Protest gegen eine solche, gegen den vielfach verbreiteten Gebrauch der Zusammenstellung sogenannter Kunstwerke, ein Protest gegen die Mehrzahl der Künstler, gegen die offiziellen Ausstellungen und gegen die wahllos kaufende Menge.
Es ist nicht die Aufgabe des Einzelnen, ja es steht ihm nicht zu, Galerien zu konkurrenzieren, es ist eine lächerliche Eitelkeit, Werte in Form von Kunstwerken möglichst vollständig nach Namen geordnet aufzustappeln; dem Einzelnen steht es aber zu, Werke der bildenden Künstler so wie die der Musiker und der Dichter zu genießen und dadurch sich einen Ersatz zu schaffen dafür, was ihm selbst zum schaffenden Künstler fehlt, also dessen Schöpfung mitzuerleben.
Um dem Verständnis der Werke bildender Künste näher zu kommen, wird es aber für einen jeden erst der Klarstellung der großen Frage bedürfen, was denn die Kunst soll und im Besonderen für ihn soll. Das Wort "Kunst" selbst ist meines Erachtens nach ein höchst unglückliches, denn Kunst kommt von "Können", hat aber mit dem Können allein nichts zu tun. Das Können, das Handwerk, ist allerdings die Sprache, die dem Beschauer das Werk vermittelt, darf aber mit der Schöpferkraft nicht verwechselt werden. Ich würde am liebsten das Wort Künstler durch "Schöpfer" und Kunstwerk durch "Schöpfung" ersetzen. Es ist selbstverständlich, daß Van Gogh derselbe schöpferische Genius gewesen wäre, wenn er die letzten Jahre seines Lebens nicht gemalt hätte, daß Shakespeare und Beethoven auf derselben übermenschlichen Höhe stünden, wenn ihre Werke nicht geschrieben worden wären. Daß sie entstanden sind, ist das Glück für uns, hat aber mit der Schöpferkraft nichts zu tun. Wenn nun die Auserwählten, die mit schöpferischer Kraft begabten Menschen uns anderen durch Anlage und Übung Empfänglichen die göttliche Frucht ihrer Werke übermitteln, so werden wir befähigt, ihnen nachzuempfinden und mitzugenießen.
Seit immerwährenden Zeiten tobt aber der Streit der Empfänger über die Wertung der Werke der Geber. Die Verwechslung von Handwerk und Kunst, die Notwendigkeit, daß der schaffende Künstler auch Handwerker sei, erhöht die Schwierigkeiten der richtigen Würdigung. Geschicklichkeit und Geschmack bei Geber und Empfänger sind die gefährlichsten Feinde reinen Kunstschaffens und klarer Beurteilung. Und trotzdem lassen sich in sachgemäßer Analyse, ohne Phraseologie, richtige Wertungen erzielen. Es ist unwahr, daß die qualitative Differenzierung der Kunst Geschmacksache sei; wohl sind verschiedene Kunstverständige für verschiedene gute Schöpfungen unterschiedlich empfänglich. Aber die Frage: gute Kunst oder nicht, Schöpfung oder nichts, die läßt sich klar und präzise, ohne Rücksicht auf Geschmack, Mode und Zeit sicherstellen.
2Wer mir sagt, warum ein Bild gut ist, dem schenke ich die beste Flasche Wein von Frankreich, wer mir sagt, was wahre Kunst ist, der soll ein Glas aus dieser Flasche haben" hiemit bezeichnet Degas diese Probleme als unlösbare. Aber dem ist vielleicht nicht so.
Die Beurteilung eines Kunstwerkes und die Fähigkeit dasselbe zu genießen, sind nicht Sache de Geschmackes, sondern des durch Anlage und Übung erlangten Verständnisses. "Die Kunst ist der allerschlimmste Aristokrat! Sie hat nichts zu tun mit der großen Menge" sagt Whistler.
Es gehört zur Möglichkeit des Verständnisses der Kunst auch ein gewisser Grad angeborenen künstlerischen Empfindens, welches dann selbstverständlich durch andauernde Beschäftigung an Intensität gewinnt.
Gehen wir nun an die jetzt aktuellste Frage heran, an die lebende Kunst. Ich sage absichtlich nicht moderne Kunst, weil es eine solche nicht gibt. Hier stehen sich zwei prinzipiell feindliche Gruppen gegenüber. Die Einen treten ein für Künstler wie Rodin und Klimt, die Anderen schätzen Grützner und Pausinger. (Ich greife hier Namen willkürlich heraus.) Für die einen sind Greco, Manet, Van Gogh Offenbarungen, die Anderen sehen ihr Ideal in Thorwaldsen, Kaulbach und Gabriel Max, die Götter der ersteren sind die "Gott sei bei uns" für die letzteren und die Zahl der Anhänger verhält sich wie die Unendlichkeit der Menge zu den oberen Zehn.
Forschen wir nun diesen Leuten nach, so gibt es wohl etliche, welche bei der Erörterung ihrer fortschreitenden Beschäftigung mit der bildenden Kunst ruhig eingestehen: "Vor einem Jahrzehnt ging ich in die offiziellen Ausstellungen und fand dort die Arbeiten prächtig; für Klimt konnte ich kein lnteresse gewinnen, fand ihn sogar abstoßend; langsam kam ich aber dazu, mich in jenen Ausstellungen erst zu langweilen, sie schließlich unangenehm zu empfinden, und sehe heute, daß sie wohl brave Handwerksarbeiten vorstellen, aber mit Kunst überhaupt nichts zu tun haben, daß ich dagegen die Leistungen Klimts früher einfach nicht verstanden habe, heute aber klar empfinde, daß in einer feinen Bleistiftzeichnung Klimts mehr künstlerische Schöpfung fühlbar ist, als in der gesamten Kollektion des Künsterhauses." Ich behaupte dagegen, daß es nicht einen einzigen Menschen gibt, welcher sagen wird: "Früher habe ich geirrt und fand Gefallen an Manet und Klimt, heute sehe ich, daß Grützner und Defregger Meister sind" und da doch niemand behaupten wird, daß das fortlaufende Interesse für die Kunst das Verständnis verkleinere, sondern jedwede Kenntnis durch Übung gewinnen muß, so wird man wohl dem Recht geben müssen, der das Panier der verlästerten Snobisten gegen die von Presse und Menge geschätzten hochangesehenen "Meister" ergreift.
Ich habe hiemit gezeigt, daß nie und nimmer eine derartige Frage als Folge einer Differenz des Geschmackes, sondern immer nur des Verständnisses entstehen und geklärt werden muß.
Also was soll die Kunst? Die Existenzberechtigung der Kunst entspringt dem normalen Bedürfnis des Kulturmenschen über die vegetatativen Funktionen hinaus sich selbst eine Welt zu schaffen.
Da diese schöpferische Tätigkeit aber nur dem Künstler eigen ist, versuchen wir anderen, dadurch daß wir jenem nachempfinden und uns in seine Schöpfungen hineinleben, uns die Traumwelt, sei es auf dem Wege von Gesichts-, Gehör-, oder gedanklichen Empfindungen zu schaffen. Bedingung eines Kunstwerkes ist also, daß es eine Schöpfung, eine neue Welt sei, in der wir träumend leben können, das heißt sie als visionär und dabei doch als wirklich empfinden.
Solche Schöpfungen sind die Gestalten Hamlets und des Faust, sind die Figuren Michelangelos am Grabe der Medici, ist der domgekrönte Christus Tizians, ist der Laokoon Grecos, ist das Altersporträt Rembrandts mit dem Turban, sind die Symphonien Beethovens und die Opern Wagners.
Als visionär Schöpferischen sah ich zum erstenmal vor 14 Jahren Anton Romako. "Der verrückte Mensch mit den verrückten Bildern" wurde er in Wien genannt. Als Ende 1905 das Haus Miethke eine Romako-Ausstellung zeigte, lieferte ich hiezu 8 Bilder und Ludwig Hevesi gab mir in seinem begleitenden Feuilleton den ehrenden Namen des "Romakosammlers." Wenn ich Romako als "Visionär" bezeichne, so gebrauche ich diesen Ausdruck in anderem Sinn als die Kunsthistoriker, nicht visionär im Gegenstand, sondern visionär in der Darstellung und Form. Durch mystische Mittel, in erster Linie der Farbe, bringt der Künstler sein Empfinden zum Ausdruck und setzt sein Fühlen in Farbe und Linie um. So sehen wir im Bilde "Der nächtliche Kampf" nicht nur einen Brand dargestellt, sondern das Bild selbst scheint zu brennen, in jedem Pflasterstein desselben, in den Reflexen der Rüstung kommt das Gefühl eines nächtlichen Brandes zur Erscheinung. Im "Zigeunerlager" sind die Zigeuner nicht nur aus diesen selbst, sondern aus jedem Strich der Landschaft herauszufühlen. Wir spüren bei seinen Gebirgslandschaften die eiskalte Luft. In seinen Porträts, deren Charme den besten Franzosen gleichkommt, ist nicht nur der seelische Gehalt in der dargestellten Person, sondern in jedem Fleckchen des Hintergrundes zu fühlen. Charakteristisch bei Romako ist der nervöse eckige Strich, der sich mit zunehmendem Alter des Künstlers immer mehr akzentuiert. Die starke Koloristik macht immer mehr Tondifferenzen, besonders in brauner Farbe Platz. Das rein Stoffliche tritt ganz zurück, Form und Farbe werden Alleinherrscher. Sein Vorgänger ist Greco, den er nie gesehen - und doch ist eine Seelenverwandtschaft da, die bis zur Ähnlichkeit in den Gesichtern geht.
Der Weg von Romako führt zu Kokoschka, dem Visionär unter den jungen Wiener Künstlern. Er besitzt starkes, farbiges Fühlen und eine Stilempfindung, die an die primitiven Meister denken läßt.
Vertreter des rein Malerischen ist der Expressionist Max Oppenheimer. Große Kraft im Ausdruck und Mühelosigkeit des Schaffens charakterisieren für mich seine Werke.
Es gährt unter den jungen Wienern. Schiele und seine zeichnerische Kunst, der schwermütig empfindende Faistauer und der geistreiche, anmutig leichte Gütersloh sind Erscheinungen, die, wie ich glaube, unser höchstes Interesse wachhalten müssen.
Was sich bei mir vereint hat, ist keine Sammlung. Niemand wollte diese Bilder, trotzdem nahm ich sie zu mir."

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